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COME RAPINARE UNA BANCA
Una banda di ladri, esperti di social media, trasmette in diretta le proprie spettacolari rapine, non immaginando che la crescente fama virale li ha messi nel mirino di un agente veterano dell'FBI e di una brillante ingegnera informatica. Nonostante i due inseguitori siano sempre più vicini, il gruppo criminale si spinge oltre i propri limiti, mettendo in gioco tutto per le proprie convinzioni e per il loro colpo più ambizioso di sempre.
All'interno di una confezione da grande film d'azione, Come rapinare una banca è più debole nel dare corpo e voce a una rivolta social di massa contro il capitalismo, con i più poveri che se la prendono con i ricchi.
La storia, scritta da Mark Bianculli nella sua prima sceneggiatura per il cinema in solitaria, è sempre la stessa. Qualcuno si sente vittima del sistema e lo combatte. Una parte importante del cinema hollywoodiano ha fatto i soldoni su questo, last but not least lo straordinario Joker di Todd Phillips ambientato negli anni '80 della cui estetica, più chiara e violenta, è impregnato. Una distanza che serve in qualche modo a storicizzare e a rendere paradossalmente più autentico il messaggio di rivolta contro i ricchi e i potenti. In Come rapinare una banca (e farla franca, aggiungiamo noi) siamo invece immersi nella contemporaneità più contemporanea con un gruppo di Robin Hood incappucciati con sembianze animali che crea un format su YouTube in diretta streaming. Questa parte è visivamente molto divertente perché scimmiotta un'estetica che abbiamo ormai introiettato e che probabilmente non riusciamo più nemmeno a valutare nella sua bruttezza pure ridicola.
Ma qui non si tratta di perdersi in chiacchiere, il gruppo ha un obiettivo preciso e compie 14 rapine contro una stessa banca responsabile di un processo di prestiti agevolati per poi prendersi tutto dai malcapitati che non riescono più a pagare le rate. A capo della compagnia, un finanziere senza scrupoli interpretato da un Christian Slater un po' sottotono rispetto alla diabolicità richiesta dal suo personaggio. Ma forse non ci sono più neanche i cattivi di un tempo, come le mezze stagioni. Paradossalmente sembra più cattivo il capo della banda, con la maschera da lupo, interpretato da Nicholas Hoult che invece sarebbe buono perché sta vendicando la morte di suo figlio che il sistema sanitario statunitense non avrebbe curato a modo per mancanza di fondi dei suoi genitori. Ogni personaggio della banda ha infatti la sua motivazione che consente allo spettatore di condividere la sua posizione.
Ma, come in ogni heist movie che si rispetti, fa capolino l'agente dell'Fbi che prende la faccenda in maniera molto personale. È questo certamente il personaggio meglio caratterizzato di tutto il film, aiutato anche dal fatto che a vestirne, letteralmente, i panni è un grande caratterista come John C. Reilly. Ecco per lui è stata scelta un'estetica molto anni '80, nei costumi ma anche nei modi di portare avanti l'indagine alla vecchia maniera, che racconta tutto un mondo. Certo si fa aiutare da un'esperta informatica agli arresti domiciliari (una svogliata, così vuole il personaggio che non fa altro che mangiare cibo spazzatura, Zoë Kravitz) che ha creato un'app che colloca in un luogo reale qualsiasi dettaglio di un'immagine combattendo quindi i ladri sul loro stesso terreno di utilizzo disinvolto dei social. Perché, come dice sapientemente l'agente speciale, ogni ladro, prima o poi, commetterà un errore. Cosa che apparentemente non fa il regista David Leitch ormai specializzato in film d'azione di questo tipo dopo The Fall Guy, Bullet Train e Fast & Furious - Hobbs & Shaw. Richiestissimo a Hollywood per via anche della sua bravura nel stare dentro i giorni preventivati di ripresa senza sforare mai, anzi, come in questo caso, addirittura chiudendo in anticipo il set, Leitch è molto attento nel bilanciare le sequenze più adrenaliniche con quelle di maggiore introspezione che danno le motivazioni di queste azioni. Il livello delle rapine in banca, della costruzione dei video per i social con i droni e le telecamere che la banda piazza nei punti giusti per dare ancora più realismo, funziona molto bene mentre sembra essere meno a suo agio con la parte più, diciamo così, alla Joker con le scene di ribellione di massa dove la macchina da presa e la narrazione fa un po' più di fatica a districarsi nonostante l'aiuto in musica di "Karma Police" dei Radiohead. Ma anche il classico gioco tra guardie e ladri risulta un po' più farraginoso del solito e privo di un certo mordente anche per via delle caratterizzazioni meno incisive e riuscite degli altri funzionari dell'Fbi che si muovono intorno al nostro agente speciale. Manca pure il contesto politico di riferimento e tutta la cattiveria del sistema è demandata a un'unica banca cattiva di Pittsburgh che rende più personale e meno universale la battaglia che il gruppo porta avanti. Certo il capitalismo cattivo, denunciato da un film prodotto da Amazon (è il solito meraviglioso cortocircuito americano che non ci sorprende), con i poveri che rubano ai ricchi ci riporta indietro anche ad altre epoche. Insomma si sta come d'autunno nel Far West, solo che i western almeno non ci facevano la morale catechizzandoci addirittura con lo sguardo in macchina.
DIO RIDE
Nel cuore del '600 c'è un uomo che parla di Dio come nessuno aveva fatto prima di lui: è Frate Leopoldo da Casamacchia che racconta il Vangelo con una gioia contagiosa portando, a chi lo ascolta, sollievo e speranza. Il suo messaggio si diffonde di villaggio in villaggio, conquistando il cuore di migliaia di persone che iniziano a seguirlo ovunque. Un clamore che porta il Papa ad affidare il caso al cardinale Maculani, il più autorevole inquisitore del suo tempo. Quello che nasce come un processo si trasforma in un confronto inatteso, destinato a mettere in discussione convinzioni che sembravano incrollabili. Mentre il destino di Leopoldo sembra ormai segnato, quello di Maculani e di chi come lui è stato colto dal dubbio prende direzioni inattese.
È il film più ambizioso e riuscito del regista Giovanni Veronesi con Pierfrancesco Favino in uno dei vertici della sua carriera insieme a Silvio Orlando che, con il personaggio del cardinale Maculani, aggiunge un tassello ai suoi sempre più convincenti ruoli ecclesiastici.
Già dall'incipit risulta chiaro che Giovanni Veronesi, nella lunga sequenza in cui Fra Leopoldo si carica letteralmente sulle spalle il suo priore malato (un commovente Paolo Rossi) per le campagne toscane, abbia lavorato su una regia molto studiata che, oltre all'utilizzo della macchina da presa a spalla che li pedina, è alla ricerca della luce naturale giusta, immergendoci da subito proprio nell'ambiente che tanta importanza avrà nel proseguo del racconto per la sua funzione narrativa. Infatti Fra Leopoldo che, più che predicare, mette in scena dei racconti orali da attore consumato davanti a un pubblico che inizia a seguirlo sempre più numeroso, lo fa sempre all'aperto. La sua caratteristica di ridurre all'essenza le vicende delle Scritture, con l'aggiunta di una nota ironica che arriva diretta a tutto il suo pubblico che è molto largo, dai bambini agli anziani, lo porta a farsi capire in maniera diretta e naturale. Questi momenti sono tutti sempre in esterni, in mezzo alla natura appunto, che sia un lago o una radura o lo spazio di una cava dove lui trova riparo in una grotta. La natura, più vicina agli uomini semplici, è volutamente contrapposta alla Chiesa ufficiale con gli spazi non certo angusti ma chiusi dei palazzi sfarzosi in cui si muove il cardinale Maculani, il tribunale della Santa Inquisizione e naturalmente il Papa Innocenzo X interpretato con la solita forza incisiva da Carlo Cecchi nella sua ultima grande apparizione al cinema.
Questa dicotomia rispecchia anche la cesura ideologica tra una Chiesa, quella francescana del frate più vicina alla povera gente (il film si chiude non a caso con una citazione di Papa Francesco: «Si può ridere anche di Dio? Certo, non è una bestemmia questa, come si gioca e si scherza con le persone che amiamo») e quella appunto chiusa nei palazzi e nelle chiese dove la liturgia veniva celebrata in latino. Fra Leopoldo invece parla come gli viene - è pure analfabeta - in una sorta di volgare italiano (Favino in questo è strepitoso perché ha un dono nel rendere in maniera molto originale i diversi parlati) che conquista non solo il suo pubblico (e noi spettatori), ma anche un altro personaggio del film, quello della giovane nobile Isabella (Alma Noce che conferma la sua serietà attoriale) sposata e vessata da un proprietario terriero violento. La donna trova proprio nell'ascolto di Fra Leopoldo la forza per uscire, fisicamente, prima dalle grandi stanze del suo palazzo, e poi dalla sua condizione di sottomissione. Apparente gracile e indifesa, come l'attrice stessa, Isabella esce fuori come un personaggio forte e proiettato nel futuro, insomma una protofemminista.
La sceneggiatura, scritta a dieci mani, vuole ovviamente inserire la vicenda ambientata nel '600 all'interno di tematiche che risuonino anche oggi. Per farlo Veronesi abbandona gli stilemi della sua amata commedia all'italiana e del suo maestro Mario Monicelli per coniugare un racconto che ha il respiro del cinema popolare insieme a una tensione storica, religiosa ma anche civile, che arriva diretta allo spettatore.
GODZILLA MINUS ZERO
Ambientato nel 1949 e, con la Seconda Guerra Mondiale ormai alle spalle, il Giappone tenta ancora di rialzarsi dalle ferite lasciate dal conflitto e dall'ultima apparizione di Godzilla. Ma quando il mostro riemerge ancora più terrificante, la minaccia travolge nuovamente il Paese. L'ex pilota Koichi e Noriko si troveranno ancora una volta al centro di una disperata lotta per la sopravvivenza, mentre il re dei mostri semina distruzione su scala mai vista prima.
HOPE
A Hope Harbor, un paesino della Corea del Sud vicino alla zona demilitarizzata, cominciano a morire mucche, dilaniate da quella che sembra una tigre, o una belva feroce. In breve tempo la cittadina è sconvolta dall'arrivo di una misteriosa creatura, dalla forza sovrumana, che compie una strage. Il goffo tenente di polizia Bum-seok e i suoi assistenti danno la caccia al mostro, fino a compiere scoperte incredibili sulla sua natura.
Si potrebbe sintetizzare come Predators meets The Host. O anche come un Cloverfield in salsa sudcoreana, che utilizza il sapere tecnico del cinema di genere di quei luoghi al servizio di un fanta-horror costantemente sopra le righe.
Incredibilmente collocato nella competizione principale al Festival di Cannes, quello di Na Hong-jin - apprezzato regista di Chaser, The Yellow Sea e Goksung - La presenza del diavolo - appare da principio un thriller che si concentra sulla suspense e sull'attesa. Con mirabile tecnica e una fotografia che valorizza al massimo panoramiche e campi lunghissimi, Na tiene incollato lo spettatore per 50 minuti buoni, mostrando i segni lasciati dall'entità mostruosa su un villaggio di frontiera, tra l'incredulità e la stolida superstizione degli abitanti e delle inette autorità locali.
Quello della goffaggine delle forze di polizia è un topos ricorrente del cinema sudcoreano, e di Na Hong-jin in particolare, e l'ottimo Hwang Jung-min fornisce un ritratto impareggiabile di poliziotto fantozziano, alle prese con un problema assai più grande di lui. Il contorno di villici ignoranti e paranoici e vigilantes a cavallo armati fino ai denti completa il quadro, rendendo l'omaggio a The Host ancor più evidente. La tensione si scioglie non appena è rivelata l'identità del mostro, a cui segue una discesa incredibile lungo la spirale del fantastico, in una versione horror di "incontri ravvicinati" spielberghiani. Già da un paio di decenni il cinema del 38.mo parallelo ha dimostrato di sapersi muovere nei territori scivolosi della serie B, restituendone una versione potenziata sul piano action e gloriosamente fiera delle sue radici. In Hope, tuttavia, sembra che il gioco sia sfuggito di mano al suo creatore, che dilata la storia oltremisura, ripetendo in maniera estenuante situazioni tragicomiche e sequenze di lotta tra uomini e mostri (la ripetitività insostenibile dell'inseguimento in strada del pre-finale). A quante cariche dei mostri dobbiamo assistere? È uno sfoggio sterile di CGI, peraltro di livello del tutto inadeguato per i parametri del 2026? Come è possibile non aver capito l'antifona sull'inciviltà della remota provincia e sul confronto impari con una civiltà aliena all'ennesima gag?
Ad uso e consumo di un target evidentemente duro di comprendonio, Na ricorre a didascalie per immagini, che estendono la durata ben oltre le due ore, sperperando quanto di buono era stato introdotto nell'incipit. Di molto buono. E il contrasto tra uno degli inizi di action più memorabili del decennio e quel che segue acuisce il dispiacere per l'esito finale, che coinvolge vanamente versioni CGI di star come Michael Fassbender e Alicia Vikander. Il budget da record è raggiunto - l'equivalente di 33 milioni di dollari - ma il frutto di questo investimento cospicuo lascia perplessi. Con l'aggravante di troncare bruscamente l'epilogo, aprendo a un ipotetico sequel di cui pochi, credo, avvertiranno l'urgenza.
IL GATTO COL CAPPELLO
Il Gatto affronta la sua missione più difficile di sempre per conto dell'I.I.I.I. (Istituto per l'Istituzione dell'Immaginazione e dell'Ispirazione Srl): rallegrare Gabby e Sebastian, due fratelli alle prese con il trasferimento in una nuova città. Famoso per esagerare sempre un po' troppo, questa potrebbe essere l'ultima occasione per il nostro agente del caos di dimostrare il suo valore... o rischiare di perdere il suo magico cappello!
IL RUMORE DELLE COSE NUOVE
Alba lavorava in un centro pubblico per la fertilità e per la fecondazione assistita, ma ha perso quel lavoro e adesso si arrabatta fra pulizie domestiche e babysitteraggio per sbarcare il lunario. Suo marito Umberto è violento e geloso, e lavora come intrattenitore dei bambini ricoverati in ospedale. Viola è un'attrice costretta ad accontentarsi di particine da figurante e suo marito Ralph fa il rumorista per il cinema. Hanno un bambino, Mirko, che a scuola viene bullizzato. Andrea è un fotografo "di matrimoni" mentre sua moglie Andreina è un medico che lavora al pronto soccorso: non hanno figli e mentre lui ne vorrebbe tanto uno, lei cerca di sabotare ogni tentativo di procreazione. Infine Elio è un intellettuale confinato su una sedia a rotelle, che Alba assiste occasionalmente, fra i suoi tanti impegni lavorativi.
Con Il rumore delle cose nuove Paolo Genovese costruisce un altro film corale riconvocando alcuni degli attori recentemente apparsi nel suo Follemente e creando infiniti legami fra i vari personaggi, in una sorta di "ronde" dove il destino di ognuno è in qualche modo connesso a quello degli altri. Ed è proprio insito in questa premessa il rischio che infatti purtroppo si concretizza: ovvero quello di costruire un congegno narrativo che sacrifica realismo e spontaneità al un tentativo di far "quadrare tutti i conti" e di stupire come davanti ad un giocattolo meccanico. Tutti i personaggi e le vicende che li riguardano appaiono dunque artificiosi e innaturali, e invece di suscitare empatia e identificazione fanno avvertire allo spettatore una distanza emotiva via via crescente.
"Perché qualcosa deve sempre rompersi per poter andare avanti?", si dirà nel film, ma è proprio nella circolarità a tenuta stagna della sceneggiatura, che non si "rompe" mai per lasciare spazio a una reazione spontanea o a un momento di libero respiro, il tallone d'Achille di Il rumore delle cose nuove. A tratti il film appare sovrapponibile ad un tipico racconto mucciniano, soprattutto nella storia di Andrea (complice anche la presenza di Stefano Accorsi nel ruolo), e anche l'ambientazione milanese, nel quartiere diventato archetipale di un certo benessere borghese avido e senza cuore, appare stereotipata (nonché contraddetta dall'accento romano di alcuni dei personaggi in scena).
La sceneggiatura, firmata da Genovese con Igor Artibani, più che intricata è arzigogolata, al punto che a tratti risulta difficile rimetterne insieme i pezzi attraverso salti temporali e nei incroci rocamboleschi, e non bastano la professionalità degli attori, del direttore della fotografia Fabrizio Lucci e della montatrice Consuelo Catucci, a dare autenticità e spessore alla trama e ai personaggi, che appaiono più come funzioni narrative che come veri e propri esseri umani. Quella nota dolorosa di verità che attraversava Perfetti sconosciuti e che ha reso quella storia riconoscibile a tutte le latitudini, qui viene a mancare, come già era successo in Il primo giorno della mia vita: come se Genovese scontasse un approccio eccessivamente cerebrale che invece di avvicinarlo al pubblico rischia occasionalmente di alienarlo.
RAGIONE E SENTIMENTO
Dopo la morte del padre, Elinor, Marianne e Margaret Dashwood sono costrette a lasciare Norland, la magnifica tenuta nel Sussex dove sono cresciute. A ereditare, come da tradizione britannica del XVIII secolo, è il fratello, John Dashwood, nato da un precedente matrimonio. E John, soggiogato da una moglie avida di denaro, non lascia nulla, o quasi, alle sue sorellastre, che si trasferiscono con la madre in un modesto cottage nel Devonshire. Ospiti di una vicina della signora Jennings, cugina lontana dal carattere deciso, Marianne soccombe al fascino di John Willoughby mentre Elinor attende invano la visita di Edward Ferrars, il fratello mite della moglie del suo fratellastro. Ragione e sentimento sono i due poli attorno ai quali Elinor e Marianne dovranno ricostruire la loro esistenza, sconvolta dalla morte del padre e dall'arrivo di pretendenti che potrebbero cambiare il loro destino.
Adattare un'opera canonica della letteratura suscita sempre una certa apprensione. Le aspettative sono ancora più elevate quando l'opera in questione ha già prodotto numerosi adattamenti e segnato intere generazioni di spettatori. La trasposizione più celebre di "Ragione e sentimento", pubblicato nel 1811 in forma anonima, rimane senza dubbio quella di Ang Lee, interpretata da Emma Thompson, Kate Winslet, Hugh Grant, Alan Rickman e vincitrice di un Oscar per la sceneggiatura nel 1996. È in questo intimorente retaggio che si inserisce il nuovo adattamento di Georgia Oakley (Blue Jean), fedele alla storia e allo spirito di Austen, che celebra la solida relazione di due sorelle, malgrado l'antagonismo dei loro caratteri. Lontana dal proporne una lettura manichea, Oakley confronta le protagoniste con l'amore, raramente slegato, nell'Inghilterra del XVIII secolo, dalle questioni finanziarie e sociali.
E la sua versione è promettente dal debutto. Un patriarca che non vedremo mai, una tenuta che va al figlio del primo matrimonio, una famiglia di donne che non possiede più nulla, se non la speranza di un matrimonio che garantisca felicità e sicurezza. Oakley descrive con precisione il valore di una donna alla fine del Settecento ed esplora il divario tra le nostre aspettative e la realtà, tra ciò che scegliamo di credere e ciò che accettiamo di sacrificare. Il film lo dice senza mezzi termini. Per queste giovani donne, amare significa puntare tutta la propria esistenza su un uomo che rimane sempre libero di scegliere, di tacere o di andarsene. Il pudore di Elinor e l'esaltazione di Marianne sono alla fine risposte diverse a una stessa impotenza. Repliche che le conducono a ridefinire il proprio rapporto con il mondo: Elinor concede finalmente spazio ai sentimenti, mentre Marianne scopre la necessità di controllarli.
L'interpretazione di Oakley si annida nei dettagli. All'interno di una composizione generalmente molto stabile, alcuni movimenti di macchina, riprese dal basso o dissolvenze incrociate vanno oltre la semplice narrazione per arricchire il ritratto psicologico delle due sorelle. La regista si sofferma sulle mani di Elinor al lavoro, su quelle di Marianne in amore, su quelle di Margaret macchiate di more e ancora su un volto soffiato dal vento o sull'orlo di un abito bagnato dalla pioggia. Il vero tesoro del film risiede proprio nell'importanza attribuita alle sorelle, che finisce addirittura per soppiantare le storie d'amore. La sorellanza è il cuore dichiarato del progetto, il volto più bello di un'irrefrenabile voglia di vivere, con o senza l'altro. Progressivamente, con discrezione, Elinor e Marianne smantellano i rapporti di forza che strutturano la seduzione, senza che questo intacchi la serenità emozionante del lieto fine e il piacere di contemplare un'altalena che oscilla al ritmo della brezza inglese.
Se il testo originale faceva dialogare due personaggi, la sceneggiatura opta per la fusione, una comprensione reciproca tra Elinor e Marianne, che risultano più vicine. Daisy Edgar-Jones (Normal People) interpreta Elinor con la giusta moderazione mentre Esmé Creed-Miles (Hanna) compone una Marianne il cui ardore trabocca dallo schermo. La m.d.p. si attacca ai loro volti, ai loro corpi, ai loro abiti sgualciti e macchiati, avvicinandoci alla famiglia Dashwood in esilio ma sempre complice e piena di vita. Intorno la natura respira. Elemento centrale nell'opera di Jane Austen, il film immerge lo spettatore nei paesaggi rurali dell'epoca e sottolinea abilmente i sentimenti dei personaggi, delineando un ritratto caustico della società inglese dell'epoca georgiana, in particolare del sistema di classi e della condizione delle donne in una società ultra-patriarcale, altra dimensione capitale nel lavoro dell'autrice.
La regista coniuga il commento storico e sociale proprio del testo austeniano con un autentico senso di modernità, a partire dal suo cast carismatico: Daisy Edgar-Jones e George MacKay affiancano volti meno scontati, come Esmé Creed-Miles nel ruolo di Marianne o Herbert Nordrum (La persona peggiore del mondo) in quello del taciturno colonnello Brandon, il cui fascino risiede proprio nella sua incapacità di esagerare. Insieme mettono in luce la ricchezza di questa commedia sentimentale e umana, eludendo la trappola dei film in costume dove tutti sembrano aver imparato a sospirare con eleganza. Nonostante qualche momento di stasi e un eccesso di saggezza, Georgia Oakley firma un nuovo adattamento che non cerca di rivoluzionare Jane Austen e nemmeno di sottoporla a un ringiovanimento forzato. Fa qualcosa di più semplice e in definitiva di più efficace: le dà fiducia. Comprende perfettamente le risorse del suo testo e ce lo fa intendere senza fargli perdere la sua voce.
SCROOGE E GLI SPIRITI DEL NATALE
Un'avvincente storia di fantasmi ambientata nella Londra di Dickens, che segue il viaggio soprannaturale di un uomo chiamato ad affrontare il proprio passato, presente e futuro mentre lotta per una seconda possibilità di redenzione.
SE DOMANI NON TORNO
Gino Cecchettin è un padre vedovo con tre figli che accudisce con amore, in sostituzione della moglie: Elena, Giulia e Davide. La prima vive già fuori casa, la seconda sta per laurearsi in ingegneria biomedica, il terzo è ancora minorenne. La notte in cui Giulia non torna a casa senza avvisare, cosa non da lei, Gino comincia a preoccuparsi, soprattutto dopo che scopre che lei era in compagnia del ragazzo che aveva da poco lasciato. Tutto il paese veneto di Vigonovo, e poi anche la televisione nazionale, si mobilitano alla ricerca di Giulia, e in Gino e nei suoi famigliari cresce l'ansia per le sorti di quella ragazza di 22 anni solare e positiva, scomparsa alla vigilia di una laurea tanto attesa. Anche perché l'ex fidanzato era geloso, controllante, vittimista e ricattatorio, mentre Giulia, come dirà la sorella ai media, era una persona buona su cui i sensi di colpa facevano facile leva.
Con Se domani non torno Paola Randi, insieme alla cosceneggiatrice Lisa Nur Sultan, affronta uno dei casi di femminicidio (perché si chiama così) più strazianti del recente passato, e un vulnus nella coscienza del nostro Paese, partendo dal libro di Gino Cecchettin "Cara Giulia".
E lo fa compiendo una scelta narrativa radicale: non partire da Giulia, che appare solo in qualche flashback, ma da suo padre e la sua famiglia, nonché dallo sbigottimento di fronte ad una perdita così terribile e in qualche misura annunciata (dal punto di vista del senno di poi). Il film si divide in tre parti di durate molto diverse, come se fossero i tre atti di una tragedia, e il più esteso e riuscito è senza dubbio il primo, che ricostruisce i giorni subito dopo la scomparsa di Giulia Cecchettin attraverso lo sguardo, i gesti quotidiani, la routine domestica spezzata e persino le piccole stereotipie di suo padre.
La regia di Randi è pudica e rigorosa, ma fa anche scelte cinematografiche intuitive e coraggiose, come immergere la storia nella scarnebbia padana che sale anche dal pavimento del salotto dei Cecchettin, indice di un'incapacità di vedere veramente di cui Gino si sente responsabile, e come tracciare gli spostamenti che hanno determinato la sorte di Giulia attraverso quelle strade regionali che attraversano campi e specchi d'acqua opachi come ferite (vulnus, appunto). Questa parte del film si conclude con il discorso che Elena Cecchettin ha fatto ai media e che termina con la frase "bruciate tutto", potentissima invocazione a liberarsi del brodo di incultura patriarcale in cui l'assassino di sua sorella ha trovato motivazione e autoassoluzione, quanto lo "Sputiamo su Hegel" di Carla Lonzi.
Inizia poi una parte che riguarda la presa di consapevolezza di Gino riguardo a quel patriarcato di cui arriva a riconoscersi componente passivo, e che gli ha forse impedito di cogliere i segnali del rapporto tossico fra sua figlia e il suo killer, nonché di proteggerla nel suo ruolo di padre. L'idea di affrontare questa parte è molto intelligente, ma il modo in cui si sviluppa fa purtroppo perdere alla narrazione efficacia nel momento in cui passa dal raccontare una storia al fare un elenco di informazioni riguardo ai danni inferti dal patriarcato alla vita delle donne che invece di passare attraverso il corpo e la quotidianità di Gino Cecchettin vengono declamate in voce fuori campo, trasformando una graduale epifania personale in una lezione perentoria di educazione civica (per quanto fondamentale).
Se vogliamo che il pubblico maschile più retrivo apra gli occhi e le orecchie, è molto più efficace farlo calandolo profondamente nel travaglio di Cecchettin (come fa molto bene la prima parte del film) invece che investirlo con dati e affermazioni che rischiano di alienarlo, permettendogli di liquidare questa parte come un "sermone femminista". È in questo momento che una storia fin qui magistrale per potere di immedesimazione diventa un film educativo da far vedere nelle scuole: il che è certamente utile e necessario, ma rischia, persino nelle scuole, di respingere quegli spettatori che hanno più bisogno di assorbirne il senso umano e universale.
L'interpretazione di Filippo Timi nei panni di Gino Cecchettin è potentissima proprio perché fa passare attraverso il suo DNA maschile prima il dolore e poi la capacità di farne uso: Timi è carne, sangue, postura eretta e poi ripiegamento sofferente, mani che accudiscono e accarezzano, voce che scalda, e disperazione che squassa. Allo stesso modo Giulia, nel ricordo di Gino, è allegria, vitalità, futuro.
Il terzo atto è quello che allarga lo schermo dalla storia personale dei Cecchettin alla reazione pubblica, che avrebbe potuto arrivare anche dopo la presa di coscienza di Gino dipanata in forma più coerentemente narrativa e meno didascalica. Se domani non torno sfugge in larga parte alla retorica (che significa "arte della parola" però può diventare facilmente esercizio formale), ma nel momento in cui si affida alle parole declamate ed esce dalla dimensione intima del protagonista rischia di giocarsi quell'empatia ineludibile, da parte di chi ne mostra assai poca, così necessaria oggi.
ritrovano dopo molto tempo. Lei si è dovuta trasferire nella casa di campagna per stare vicino ai
genitori; la madre Sandra, tra l'altro, ha già avuto due infarti. Riccardo invece ha sempre pensato a
sé stesso; è un regista di successo che ha un po' di ansietta perché il suo nuovo film uscirà tra due
settimane. C'è poi Giovanni, marito di Daria, che non trova mai il momento opportuno per chiedere
alla moglie della caparra per la casa, perché non vede l'ora di rientrare a Roma. Man mano arrivano
tutti i parenti: lo zio Vittorio, rinomato medico e i suoi due figli, Teo e Marco, quest'ultimo in
compagnia con la fidanzata Stefania, una naturopata che è molto tesa per questo suo ingresso in
famiglia. Poi è il turno lo zio Alfredo che prende sempre di mira il cugino Osvaldo che l'ha
accompagnato e spinge la sua sedia a rotelle, Giulia (ex di Marco e assistente di Vittorio), il prete
creator Don Mauro e poi, a un certo punto, vicino alla bara, lo sguardo di Daria s'incrocia con
quello di una persona affetta da nanismo. Chi è? Quella che doveva essere una cerimonia funebre si
trasforma in una guerra familiare all'ultimo sangue.
Una boccetta di tranquillanti. È tra gli oggetti che fanno saltare il banco, che provocano mutazioni
come in quella di Diego Abatantuono che torna riposseduto dal "terrunciello" dei suoi ruoli
famosissimi d'inizio anni '80, o in Stefania, la naturopata che perde il controllo, crea imbarazzo tra
i presenti, mangia le foglie di una pianta e provoca tra le battute più scoppiettanti del film ("Ma è
vegana?") e poi sale sul tetto in lingerie e la toga di Nicola.
Un tranquillo funerale di famiglia,
basato sulla sceneggiatura di Dean Craig di Funeral Party, è tra i film più divertenti di
Massimiliano Bruno che ha anche scritto l'adattamento assieme a Edoardo Falcone. L'idea della
boccetta di tranquillanti che invece contiene un allucinogeno era già al centro del film inglese, ma
dimostra come questa versione italiana abbia preso il meglio da film e sia riuscito a valorizzarlo. Se
l'umorismo nero del film diretto da Frank Oz del 2007 era fin troppo controllato rispetto alle
direzioni che poteva prendere, Un tranquillo funerale di famiglia è autenticamente cattivo, ha ritmo
e mostra una guerra di famiglia con lo spirito corrosivo che richiama la tradizione della commedia
italiana, in particolare Monicelli di Parenti serpenti. Oltre a gags immediate (quella iniziale del
defunto sbagliato) o quelle provocate da una scatenata Beatrice Arnera nei panni di Stefania, di don
Mauro che suona la canzone dell'infanzia di Nicola mentre Daria sta provando a leggere il suo
discorso funebre e scambi di battute come "Siamo strazzziati" - "Grazzzie", il film riesce ad essere
anche una commedia di costume che lascia emergere con intelligenza tutte le tensioni di famiglia
mantenendo un passo sostenuto. Bruno azzecca il cast già dal contrasto tra Claudia Pandolfi e Pietro
Sermonti e poi, ogni personaggio viene adeguatamente valorizzato in questa struttura corale dalla
stessa Arnera e Abatantuono a Carlo Buccirosso, Stefania Sandrelli, Stefano Fresi, Dino Abbrescia,
Giulia Vecchio, Edoardo Ferraro, Alessandro Mauthe, Carlo Amleto, Marianna Menga e Giovanni
Iovino, quest'ultimo autentica scheggia impazzita che fa saltare i già fragili equilibri.
Bruno ritorna
agli esiti migliori del suo cinema, quelli di Nessuno mi può giudicare e Viva l'Italia. Qui punta alla
comicità pura e vince la scommessa. E poi, in Un tranquillo funerale di famiglia ci sono anche
diverse analogie con Verdone di Compagni di scuola: la villa fuori Roma, l'ospite in sedia a rotelle
e Osvaldo preso di mira come Fabris in Compagni di scuola. In più, la trappola della rimpatriata
forzata e il crollo delle apparenze. Si ride, e pure parecchio. E non perdete i titoli di coda; stiamo in
zona We Are the World.
UN WEEKEND ARTIFICIALE
Leonardo, parrucchiere fiorentino, viene invitato insieme ad altri sei sconosciuti in una villa da sogno per partecipare a un esperimento senza precedenti: dovranno scoprire chi tra di loro è un umanoide creato con l'intelligenza artificiale. Un incasinatissimo weekend di sospetti, emozioni e colpi di scena... prima che siano i sentimenti e la vita vera a mandare tutti in tilt.
Il tema attuale dell'intelligenza artificiale è in realtà poco approfondito perché è un puro pretesto in una cornice da commedia in cui Pieraccioni ancora una volta mette in scena una romcom in cui s'innamora della sua protagonista.
L'assunto è da reality, prendi sette persone molto diverse e le chiudi in una villa con piscina per testare i loro comportamenti. Nello specifico avranno il compito di trovare chi tra loro è un umanoide di nuovissima generazione indistinguibile da un umano, niente che non abbiamo già visto nel, peraltro citato, Blade Runner del 1982. Certo, essendo qui nel terreno già arato della commedia tutto diventa molto più grottesco e inverosimile, a partire dall'improbabile ingegnere Serano, interpretato da Roberto Zibetti ai limiti del gigionesco, che, con motivazioni piuttosto flebili, decide di scommettere con il socio Mr. Hunt (un esotico Tim Daish) sul fatto che il suo umanoide somigli così tanto agli esseri umani che non sarà possibile scoprirne l'identità. Certo meriterebbe un approfondimento a parte la sistematica leggerezza con la quale spesso il nostro cinema tratta gli scienziati ma il registro comico giustifica qualsiasi fine e dunque il ruolo della scommessa è un puro pretesto narrativo per scandagliare i caratteri dei sette personaggi chiusi - neanche loro sanno bene perché e, soprattutto, perché lo fanno - in un luogo circoscritto. A interpretare i diversi personaggi troviamo lo stesso Pieraccioni che fa il parrucchiere, Giulia Vecchio interior designer, Massimo Ceccherini direttore di banca, Tosca D'Aquino psicologa, Paolo Hendel pensionato ex operaio, Alessandro Mauthe stagista e Marta Zoboli profumiera.
Una commedia dunque corale, almeno nella prima parte, in cui però i singoli caratteri non si sommano. Ognuno rimane quello che è, interagisce per lo stretto necessario con gli altri ma non c'è mai una reale capacità d'ingaggio collettivo e di autentico scambio, anche attoriale. Insomma ognuno fa il proprio personaggio - emblematica Marta Zoboli perfetta nel riproporre il suo carattere già visto negli spettacoli comici televisivi - senza che la sceneggiatura dello stesso Pieraccioni con Filippo Bologna e Andrea Bassi riesca a costruire una comicità che emerga dalla loro interazione. Sono più personaggi che arrivano, dicono le loro battute e, come nel caso altrettanto emblematico di Paolo Hendel, se ne vanno, letteralmente.
A cucire l'eterogeneità, anche comica, dei personaggi ci dovrebbe pensare Herbert Ballerina che interpreta il tuttofare Nello al servizio dell'ingegnere ma il suo apporto si rivela uno dei più deboli se non evanescenti del film. In questo senso è molto più efficace il personaggio di Erminio, il socio "di minoranza" del negozio di parrucchiere, a cui Giovanni Esposito riesce a dare una caratterizzazione a tutto tondo inserendo un tocco surreale che non guasta.
La scrittura (così come la musica onnipresente) cerca di essere al servizio delle battute più che dare un senso alla cornice di partenza, dove l'intelligenza artificiale è puro pretesto per l'inserimento delle lettere 'AI' evidenziate nel titolo dato che non viene mai approfondito l'argomento anche se paradossalmente l'intelligenza artificiale generativa viene utilizzata proprio nel film in alcune sequenze iniziali che richiamano personaggi del passato. In realtà tutto l'impianto narrativo sembra essere costruito unicamente per far incontrare i personaggi di Leonardo Pieraccioni e di Giulia Vecchio, qui al suo primo ruolo di protagonista (appare anche in Un tranquillo funerale di famiglia) con una certa rigidità attoriale forse voluta per via del personaggio interpretato. Il comico sessantunenne s'invaghirà ovviamente di lei dando modo di riprendere la fortunata serie di innamoramenti che hanno caratterizzato tutta la sua filmografia da regista composta da ben sedici film. Lo sguardo ora è naturalmente più pacato e malinconico e dà l'occasione a Pieraccioni di sostenere con una certa grazia tutta la seconda parte di un film portatore di un orgoglio fiero e stimabile d'una radicale toscanità evidenziata anche dal lungo cameo dell'amico Panariello.
WILD HORSE NINE
Santiago del Cile, 1973. Alla vigilia del golpe militare che rovescerà il governo democratico uccidendo il presidente socialista Allende, due uomini della CIA, il cinico Chris e il più giovane Lee, si recano sull'Isola di Pasqua per trascorrere qualche giorno da turisti. Chris, che ha un passato di "successi" in Congo e Guatemala e ha forse ricoperto un ruolo chiave nell'assassinio di Kennedy, ha problemi di memoria, qualche rimpianto, una strana compassione per le falene e la tentazione di smettere una buona volta di mentire, dopo aver variamente praticato la copertura della verità per tutta la vita. Lee lo accompagna e lo sorveglia, gravato da un compito doloroso. Intanto, il fatto che Chris voglia scrivere le sue memorie preoccupa il loro capo MJ al punto da fargli prendere un aereo per gestire la situazione di persona una volta per tutte.
Chris non è un poeta, però è sicuro di una cosa: una biografia, compresa la propria, non dovrebbe mai partire dall'inizio e dovrebbe invece sorprende il lettore.
Magari ricorrendo a domande poco consuete (i dinosauri avevano un'anima? Ci sono più chances di andare in paradiso per un nazista o per un sicario dell'intelligence che ha fermato sul nascere i più importanti progetti di democrazia e di pace nel mondo?), e infine dovrebbe porsi in ascolto dei segni che l'universo manda agli uomini attraverso la natura e gli animali.
La teoria della narrazione di Chris è la stessa che Martin McDonagh ha tradotto in pratica in maniera eccellente da almeno tre film a questa parte. Il taglio del suo racconto è sempre sorprendente, il rapporto tra la parola e il silenzio è profondo ed esilarante allo stesso tempo, il dialogo tra l'uomo e il paesaggio che lo ospita sempre portatore di un sarcasmo atavico che ha per oggetto l'insensatezza dei comportamenti umani, campioni di costruzioni verbali
messe in atto per innalzarsi al di sopra del ruvido piano del reale.
Drammaturgo prima e poi sceneggiatore d'eccezione, irlandese come Beckett ma decisamente sulla
linea di Mamet, McDonagh è al momento uno dei più ispirati cantori cinematografici della brutalità
e dell'imprevedibilità dell'esistenza, capace di non rinunciare in alcun modo allo
spettacolo e all'intrattenimento e anzi sempre più maturo nella combinazione dei due elementi.
Wild Horse Nine gioca, infatti, in maniera brillante col genere spionistico - tra pistole, valigette, teleobiettivi, bombe, minacce incrociate e colpi di scena -, esalta le facce uniche e le doti interpretative di John Malkovich e della sua spalla Sam Rockwell (un'altra coppia memorabile che si va ad aggiungere alle precedenti), e nel frattempo si stratifica progressivamente e si trasforma in un apologo tragico e politico (il più politico dei film di McDonagh).
Proprio come la valigetta nel cassetto di Chris, sotto la "copertura" crudelmente comica (l'effigie del nano col pallone da basket), il film custodisce un cuore esplosivo, che inchioda in uno stallo (simile a quello di Pádraic e Colm sull'isola Inisherin) le forze contrapposte del pessimismo cosmico e del suo contraltare, l'idealismo necessario alla sopravvivenza, qui incarnato da un'ingenua studentessa di sinistra.
Si muore dal ridere, mentre si assiste allo spettacolo di un confronto senza vincitori possibili, che riflette amaramente sugli abusi del potere, ma in fondo apre un foro di proiettile di speranza, affidandola alla responsabilità individuale.
CARLO ACUTIS - IL GIOVANE SANTO
Carlo Acutis nasce a Londra il 3 maggio 1991 e muore a Monza il 12 ottobre 2006. In questo davvero breve arco di vita si sviluppa una personalità fuori dal comune di cui questo documentario ripercorre le tappe coinvolgendo in primis i suoi genitori e la nonna materna insieme a chi, come coetaneo o come adulto, ha percorso con lui importanti fasi della vita.
Un documentario che parla a tutti, credenti e non credenti, descrivendo senza agiografia la vita di un ragazzo che ha saputo essere straordinario nella quotidianità.
È difficile raccontare un santo che è stato canonizzato da poco più di un anno senza cadere nella retorica. Ancor più difficile se quel santo era un adolescente dei nostri giorni con i genitori, la nonna e gli amici chiamati a descrivere quanto vissuto al suo fianco rendendolo comprensibile sia a chi ha la fede che a chi non ce l'ha.
È quanto riesce a fare Luca Salmaso con l'importante supporto di Elisabetta Sola e Nicola Salvi. Riesce cioè a raccontare un bambino e poi un ragazzo che si manifesta sin da subito dotato di una sensibilità che lo differenzia dai coetanei ma, al contempo, un essere umano che condivide con chi sta intorno la passione per la vita che lo accomuna, nello scorrere degli anni, ai coetanei.
Da quanto riferiscono i genitori e la nonna, Carlo non cresce in una famiglia così devota da avergli inculcato sin da piccolo una particolare propensione per tutto quanto attiene alla pratica religiosa. La madre dichiara con assoluta trasparenza di essere stata una persona sicuramente non vicina alla Chiesa. Il fatto che sin da piccolo lui venga attratto dalla chiesa della zona di Milano in cui abita e che sviluppi un interesse per quanto attiene alla Bibbia e ai Vangeli è un fenomeno che nasce dalla sua interiorità e non da spirito di imitazione.
Quello che il documentario riesce a mettere in luce, con grande attenzione e sensibilità, è il fatto che Carlo non era un'asceta e che costantemente, sin dalla sua più tenera età, il suo amore per Dio si è tradotto in uno slancio di interesse verso il prossimo. Un esempio chiarisce bene il contesto: la sua famiglia benestante gli dava la classica 'paghetta' che lui investiva in aiuti ai senzatetto ma il suo desiderio era, una volta raggiunti i sedici anni (compleanno che non ha potuto festeggiare), poter fare qualche lavoretto per utilizzare denaro guadagnato personalmente. Un'altra sottolineatura illumina il quadro della sua personalità. La mamma ricorda che non si limitava a portare beni di prima necessità o a segnalare dove poter ricevere un pasto caldo o fare una doccia a chi non aveva una casa ma restava a conversare con loro considerando che il bene materiale non fosse la sola cosa di cui avessero bisogno.
Padre David Maria Turoldo, che ben conosceva la Milano in cui Acutis è cresciuto e ha condiviso la propria esistenza (amata al pari della Assisi delle sue vacanze) affermava: "La fede non la si propaganda. La si vive. Se la si vive si propaganda da sé." Carlo Acutis la fede l'ha vissuta e questo documentario lo testimonia con efficacia.
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